Filmadrid ’19 (y II)

 Proyecciones Especiales / Focos / Vanguardias Live

  Cartel Filmadrid 2019Por primera vez, una película española inauguraba Filmadrid. El nombre de Lluís Miñarro entronca, sobre todo en su labor como productor, con algunas de las líneas maestras del festival. Nombres como Manoel de Oliveira, Albert Serra, José Luis Guerin, Apichatpong Weerasethakul o Marc Recha han sido producidos (o co-producidos) por su compañía, Eddie Saeta, que cerró en 2015 tras casi 25 años de actividad. Después de dirigir su último largometraje en 2014 (Stella cadente), el director catalán presentaba en Madrid Love me not, versión de la historia bíblica de Salomé y Juan el Bautista a partir de la obra de teatro de Oscar Wilde con guion del propio Miñarro y el dramaturgo Sergi Belbel. La historia se traslada a la actualidad en el marco de una guerra en Oriente Medio donde Salomé (Ingrid García Jonsson), hija de un mando militar y centro de atención sexual/sensual de todos los hombres que la rodean, queda fascinada por la figura de un islamista (Yokanaan, en la piel de Oliver Laxe) recluido en una cárcel que recuerda la prisión de Guantánamo. Todo en Love me not resulta una alegoría demasiado obvia y forzada. Su pretendida provocación y radicalidad, tocando temas como el incesto, el ejército, la familia, el poder o la diversidad queda en algo naif, en un discurso “progre” superficial, acartonado y viejo. Love Me Not_still1El film mantiene su aire teatral, sobre todo en su segunda parte, donde Lola Dueñas (que ejerce el papel de madre) y Francesc Orella (como el padre de Salomé) dan un recital de sobreactuación, eso sí, muy desmelenado y divertido. Una pena para alguien que anteriormente había dirigido dos interesantes películas como Familystrip (2009) y la citada Stella cadente.

  Una de las Proyecciones especiales más esperada era, tras pasar con éxito por varios festivales, el estreno de la ópera prima del renombrado fotógrafo británico Richard Billingham, Ray & Liz. No es la primera vez que Ray y Liz, los padres del director, aparecían en su obra. Su famoso libro de fotografías Ray’s a Laugh (1996) ya recogía la pobreza, el alcoholismo, el desorden y la suciedad en la que Billingham se había criado. Esas fotografías tienen su puesta en imágenes en movimiento en este film que comienza con la imagen de su padre aislado en una habitación, mirando por una pequeña ventana y bebiendo desde que se levanta hasta que se acuesta. Los recuerdos aparecen y el film nos transporta a dos momentos de la infancia de Billingham. Cada uno de estos centrado en dos personajes vulnerables e inocentes (su tío y su hermano pequeño).

  Ray & LizEl film se aleja del conocido cine social y de denuncia británico (Ken Loach o Mike Leigh como ejemplos reconocidos) para hacer un retrato amargo pero sin perder la mirada honesta y humilde, incluso cariñosa y amorosa, de un hijo hacia sus padres. El abandono y la mugre inundan la pantalla pero sin caer en la exhibición morbosa. La denuncia directa queda aparcada (nunca conoceremos el origen de esta situación) y entre la anécdota, el recuerdo y el realismo no exento de lirismo, Billingham acaba ofreciendo un duro discurso sobre la soledad que conmueve en su sincera (aunque desagradable) belleza.

Foco The New American Cinema Group

  El foco, comisariado por el crítico y programador Olaf Möller que además impartía, dentro del marco del festival, un curso dedicado al grupo independiente americano, presentaba películas de cineastas como Jonas Mekas, John Cassavetes, Gregory Markopoulos o Emile de Antonio entre otros. Películas underground que proponían un cine enfrentado (en sus procesos de creación, distribución y exhibición) al sistema dominante de Hollywood, creando una vía alternativa que será fundamental para comprender los cambios, alteraciones y desvíos que sufriría el cine norteamericano a partir de los años sesenta. De él asistimos a dos sesiones, la primera protagonizada por Jonas Mekas y una de sus pocas películas de ficción. The Brig (1964) consiste en la filmación de una representación teatral a cargo del Living Theatre, escrita por Kenneth H. Brown en 1962, dirigida por Judith Malina y con escenografía de Julian Beck. Mekas filma la obra de teatro en un escenario angosto que representa una prisión militar. The BrigA veces, el marco del encuadre coincide con el marco de la escena, vemos las luces, se intuye el patio de butacas, las marcas de los actores en el suelo o la visible y no disimulada sombra del operador de cámara que se mueve por el escenario. Esto provoca que el film sea al mismo tiempo una obra de ficción y una obra documental que registra la representación de una ficción. The Brig habla de la alienación, de la perdida de humanidad, de la animalización provocada por la brutalidad de la disciplina militar y las jerarquías de poder. Una obra con diálogos pero sin conversación, solo gritos, gestos y movimiento frenético. Una propuesta llena de violencia, estresante y agotadora.

  coj_still_group_discussionLa segunda sesión estaba dedicada al jazz a partir de dos películas que lo abordan desde dos perspectivas diferentes que pueden parecer contradictorias pero que acaban siendo complementarias. The Cry of Jazz (Edward Bland, 1959) toma el camino de la política. La forma musical del jazz representa al mismo tiempo la restricción (la opresión y la falta de futuro de la comunidad negra) y la libertad (el gozo y la alegría del presente). El film parte de una reunión de jóvenes blancos y negros que discuten sobre la significación del jazz. Mientras una voz en off desarrolla su teoría músico-política, las imágenes documentales que registran diversas actuaciones musicales se combinan con otras callejeras mostrando la situación de pobreza en los barrios negros.

 Por el contrario, Jazz on a Summer’s day (Bert Stern, 1960) presenta el lado lúdico, filmando diversos momentos de una jornada en el famoso y veraniego Festival de Jazz de Newport, y que, además, constituye una de las primeras películas-concierto. El film no solo recoge la actuación de grandes artistas de la época (Anita O’Day, Louis Armstrong, Mahalia Jackson, Gerry Mulligan, Thelonious Monk, etc.) sino que muestra también al público asistente, sus reacciones, sus bailes, sus momentos de atención, fascinación y distensión. Un público que (de)muestra que el jazz podía ser también interracial e interclasista.

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Foco Dan Sallitt

  Aquí mismo hablábamos hace poco de la grata sorpresa que supuso el descubrimiento del norteamericano Dan Sallitt en el Festival D’A de Barcelona. El estreno de su última película (la quinta en más de treinta años de carrera), Fourteen, ha servido para que Filmadrid le haya dedicado una retrospectiva completa (que contó, además, con la amable y entregada presencia de su director), en la que se proyectaron sus otros cuatro títulos, incluido su primer trabajo en video, Polly Perverse Strikes Again! (1986), inédito fuera de los Estados Unidos. Aquello que nos llamó la atención en Fourteen se ha visto confirmado en las otras tres películas que hemos podido ver en el foco. El cine del norteamericano es un cine del diálogo, en la línea del cine independiente (rama mumblecore) pero mirando hacia nombres del cine francés como Éric Rohmer o Maurice Pialat, a los que dedica alguno de sus films). Un cine construido a partir de un principio de austeridad y de una rigurosidad formal presente en los encuadres milimetrados y en el perfecto engranaje narrativo que cuenta con la elipsis como principio motor. Los diálogos de Sallit presentan verdaderas batallas dialécticas (sin ganadores ni perdedores) que sacan a la superficie la fragilidad y las dudas de sus personajes, tratados todos con respeto, franqueza y honestidad. La religión, el sexo, la pareja, la familia y la amistad (todo girando en torno a las relaciones humanas) son temas centrales del cine de Sallitt, con un tratamiento que se aparta de los caminos trillados y acomodados. Un cine de apariencia sencilla y ligera pero profundo y riguroso; amable y simpático pero con un fondo de tristeza que envuelve a sus vulnerables personajes y sus vulnerables vidas.Honeymoon2 AllTheShipsAtSea5

  Honeymoon (1998) y All The Ships At Sea (2004) funcionan como una especie de espejo en cuanto a su aparato formal, narrativo y en la construcción de personajes. Los dos films tienen una pareja de protagonistas, en el primero unos recién casados con problemas sexuales que provocarán una profunda crisis y un distanciamiento, presente en las secuencias que cierran el film; en el segundo, dos hermanas que hace años que no se ven y mantienen visiones diametralmente opuestas de la religión, la fe y la espiritualidad. Las dos parejas son encerradas y aisladas, en la parte central del film, en una casa en medio de un espacio idílico junto a un lago (la misma casa funciona como escenario principal de las dos películas) donde dirimirán sus diferencias. Los espacios cerrados son el espacio de la dialéctica, los espacios abiertos casi siempre lugares de transición. Algo parecido ocurre en The Unspeakable Act (2012) donde la casa, el hogar (cuya imagen abre y cierra el film) se convierte en el campo de juego donde la protagonista sufre por el amor incestuoso hacia su hermano mayor que va a abandonar la casa para ir a la universidad. La película se construye a partir de la separación y la distancia, el encuentro y el desencuentro que provoca el tiempo, siempre implacable en el director de Pensilvania.TheUnspeakableAct10

Vanguardias Live

  Igual que ocurrió el año anterior con Die Strasse (Karl Grune, 1923), en esta edición volvían las proyecciones de películas mudas con música en directo, ahora dentro de la sección Vanguardias Live, que tiene por objeto unir la proyección cinematográfica con otras disciplinas artísticas. Este año, el interesante programa doble lo componían sendas adaptaciones de la novela del finlandés Juhani Aho, publicada en 1911: Johan (Mauritz Stiller, 1921), acompañada por la música de violonchelo, theremín y guitarra de Macarena Montesinos y Paulo Pascual y Juha (Aki Kaurismäki, 1999), con música de sintetizador y saxofón de José Venditti. Tanto las películas como la novela presentan una mujer activa, dispuesta (equivocadamente o no) a dejarlo todo por la llamada de la aventura, por la posibilidad de salir del mundo pequeño, cerrado y monótono en el que se encuentra atrapada sin expectativas.

  Johan (1921) Filmografinr 1921/07La versión del sueco Stiller es una maravillosa película donde destaca el rodaje en escenarios naturales y sobre todo la famosa secuencia de los rápidos en el río, símbolo de la libertad (sexual, social, emocional) y de la desestabilización de un mundo seguro pero sin emociones. Stiller opone el mundo familiar, inmutable, hecho de trabajo y abnegación al mundo aventurero que representa el joven marinero que visita el pueblo y del que se enamora la joven Marit. Un bellísimo y pictórico plano final, con el matrimonio remontando el rio de nuevo, cierra el círculo (de manera algo conservadora) y restablece el orden inicial con la vuelta al hogar.

  Aunque pueda resultar paradójico, el film de Kaurismäki es más fiel al original (en su dureza y crudeza) que el de Stiller. El finlandés lleva la novela a su terreno cinematográfico con un componente más social y político, alejado del tono lírico e idealista del film de Stiller. Aquí el marinero es sustituido por un visitante a bordo de un coche deportivo y vistiendo ropajes propios de la elegancia urbana, representante de los imaginarios pequeño-burgueses que proyectan a la protagonista hacia un mundo que desconoce pero le fascina. juha01El mundo urbano desvelará que esos imaginarios y sus promesas no son otra cosa que la esclavitud (en forma de prostitución) que convierte al individuo en pura mercancía. El plano final no difiere del que hemos comentado en la película de Stiller. Si allí la barca con Johan y Marit remontaba el río de vuelta al hogar, aquí la protagonista, con un hijo a cuestas, camina en dirección contraria a la gente que, apresurada, se dirige a sus labores por las abarrotadas escaleras del metro. No se restituye la situación inicial sino que se crea una nueva donde un hilo de esperanza se abre entre la desesperación. Puro Kaurismäki.

Clausura

  4943716.jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxx-h_2018Cerraba este año el festival la penúltima película de Quentin Dupieux, Au Poste! (Le daim, su trabajo más reciente, se estrenó en el último Festival de Cannes). Un film que no se desvía demasiado de la comedia absurda y surrealista a la que nos tiene acostumbrados el realizador francés (sobre todo en esa mezcla de ficción, realidad y sueño que ya se encontraba en Réalité, su anterior film). Esta vez nos sitúa en una comisaría de policía, con esos aires retro (o más bien atemporales) que tiene su cine, donde asistimos al interrogatorio de un testigo que ha encontrado un cadáver en la puerta de su casa. Los personajes se mueven entre la estupidez y la caricatura, las realidades paralelas aparecen a partir de la memoria, el desdoblamiento temporal y el sueño, los gags se construyen a partir de situaciones absurdas y desconcertantes y la pirueta final sitúa la ficción encima de un escenario teatral con los espectadores aplaudiendo desde el patio de butacas. Un final que nos remite a aquella famosa secuencia de Buñuel (uno de los referentes de Dupieux) en El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie, 1972). Como siempre en el francés los personajes y el espectador habitan un mundo (simulacro absurdo de la realidad) donde nadie está a salvo de los peligros de la ficción.

 

2 Comments

  1. […]   El debut del fotógrafo británico Richard Billingham es un relato autobiográfico alrededor de sus padres. La pobreza, el alcoholismo, el desorden y la suciedad que rodean la infancia del director recogidos en un retrato amargo que no pierde la mirada honesta y humilde, incluso cariñosa, de un hijo hacia sus padres. El film acaba ofreciendo un duro discurso sobre la soledad que conmueve en su sincera (aunque desagradable) belleza surgida entre la mugre que inunda la pantalla. (Reseña festival) […]

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